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Presentación de los libros
El deseo de las máquinas y las obras de arte actual, en el anti Edipo de masas
“La industria ya no se considera entonces en una relación extrínseca de utilidad, sino en su utilidad fundamental con la naturaleza como producción del hombre y por el hombre”.[1]
El Anti Edipo es una visión estética proyectada en varias obras de arte, a partir de la mitad del siglo XX. Hace referencia a una producción de “máquinas deseantes”, “esquizofrénicas”, como piezas que se mantienen en función de una multiplicidad intrínseca de elementos. Las obras son remitidas a paradojas infrenables, constituidas por objetos “parciales”. La “producción” es “deseante” cuando su límite es incluso la abertura, a otras posibilidades.
En las artes visuales de las “máquinas esquizofrénicas”, algunos autores acuden a las materias industriales, productos ya elaborados, para emplearlos en una nueva propuesta estética. La basura, por ejemplo, es retomada para elaborar otro artículo. El resultado de ese recurso es la creación de un inacabado. Un organismo con productos reciclados. La obra es una máquina deseante que mezcla pasado y futuro. Lo viejo premeditadamente seleccionado se une a lo nuevo, como un mecanismo ansioso. Por ejemplo; en Poubelles/free de Arman (1959) se observa una colección de barreduras puestas en conjunto.
Para Deleuze y Guattari, una máquina deseante puede cortar y ser cortada en tres modos distintos; cuando se conecta y extrae, cuando separa la energía y cuando desecha residuos. “Bajo estos tres aspectos, el proceso de la producción deseante es simultáneamente producción de producción, producción de registro, producción de consumo. Extraer, separar, «dar restos», es producir y efectuar las operaciones reales del deseo.”[2]
La capacidad para consumir y producir al mismo tiempo, sin ser sólo eso, es la propiedad estética del Antiedipo; “En todas partes, máquinas productoras o deseantes, máquinas esquizofrénicas, toda la vida genérica: yo y no-yo, exterior e interior ya no quieren decir nada.”[3] Esa inquietud perpetua de Edipo se vuelve un antagónico y aparece la esquizofrenia de las máquinas. Una fantástica represión del aparato deseante que permite una producción de la producción. Ansioso por escapar de su destino, es consciente de producir un organismo con todas las cualidades posibles. Una tensión que normaliza su polarización, pero que funciona como la naturaleza, porque es causa y efecto de otras máquinas.
Para la Fountain de M. Duchamp, por ejemplo, habría que señalar qué relación hay entre su obra y la propuesta antiedípica. Por ahora basta apuntar que se trata de una pieza de fábrica, industrial, esquizofrénica, propositiva, renovada, capitalista y maquinal, firmada en 1917 por R. Mutt. Es eso. Una pieza, parte de otras partes, que cumple con la característica del flujo y la succión. Es la producción de la producción materializada en máquina. “En una palabra, toda máquina es corte de flujo con respecto a aquella que está conectada, pero ella misma es flujo o producción de flujo con respecto a la que se conecta. Esta es la ley de la producción de la producción.”[4] El mingitorio esquizofrénico es un residuo que se encadena a otras esculturas fabricadas, en el aparato de un museo máquina.
La producción de un proceso es importante. Se trata de un momento inevitable del Capitalismo político. Global. Obras como el Vortex de Daniel Canogar, donde la gente nada literalmente entre basura, señalan cómo es posible esa interrelación de manufacturas industriales en un medio social actual del que forman parte. Pequeñas máquinas de flujo ensambladas al mismo tiempo a otra máquina mayor. Asterism de Gabriel Orozco, o Tejiendo el mundo de Tim Noble y Sue Webster, presentan esos objetos ya fabricados como parte de otro nuevo sistema de producción. Las máquinas se multiplican. Máquinas fuente, máquinas técnicas, máquinas fuente, máquinas objeto, máquinas célibes, máquinas sociales, máquinas órgano, maquinas flujo, máquinas de máquinas, máquinas de deseo.
La regularidad productiva es una constante en las máquinas y el hombre se transforma en máquina. La máquina humana actúa en la esquizofrenia de otros miembros. Es un deseante y productor llevado a niveles masivos. Adyacente a otras máquinas, se remplazan y sirven a otros hombres o se sirven de ellos.
“Todo es producción”, en el Antiedipo. Consumo de producción y, por lo tanto, producción de consumo; “Pues la verdad —la brillante y negra verdad que yace en el delirio— no existe en esferas o circuitos relativamente independientes; la producción es inmediatamente consumo y registro, el registro y el consumo determinan de un modo directo la producción, pero la determinan en el seno de la propia producción.”[5]
Obra citada:
[1] G. Deleuze y F. Guattari, El Anti Edipo, capitalismo y esquizofrenia, Paídos: Barcelona, 1998, p. 15.
[2] Ibídem., p. 47.
[3] Ibídem., p. 12.
[4] Ibídem., p. 45.
[5] Ibídem., p. 14.
Imágenes citadas:
- Arman, Poubelles/Free Standing-Petits Dechets Bourgeios,1959.
- R. Mutt, Fountain, 1917. Link: http://www.umlautrecords.com/groups/r-mutt/
- Daniel Canogar, Vortex, 2013. Link de foto: http://www.danielcanogar.com/es/obra/vortices-exhibition-fundacion-canal-yii
- Gabriel Orozco, Asterisms, 2012. Photo by Mathias Schormann.
- Tim Noble y Sue Webster, instalación, Nihilista Optimista, 2006. Link: http://lapiedradesisifo.com/2013/03/05/c%C3%B3mo-tim-noble-y-sue-webster-hacen-arte-con-basura-y-con-luz/
«Ocurre todavía», el diálogo entre Eduardo Hurtado y Kenia Cano
Un poema de 42 entrañas da cuerpo al más reciente libro de Eduardo Hurtado. Ocurre todavía pertenece a la colección de poesía del Fondo de Cultura Económica. Es un libro que se antoja a la vista y al tacto; se nota que la edición conllevó esmeros, cuidados y riesgos, el resultado es un ejemplar de discreta pero luminosa personalidad.
Obra plástica de Kenia Cano.
En esta edición, los poemas se dejan acompañar por dieciséis acuarelas realizadas por Kenia Cano, quien sostiene con los versos del poeta un diálogo desde su Cifra itinerante–nombre de la colección de imágenes de la artista–.
La lectura de un poema genera tantas interpretaciones como lectores tenga. Algunos considerarán que estos versos son sólo amorosos, que existe una susodicha a quien están destinados, yo los vi así, pero después me propuse ver también en ellos a la poesía en sí misma como el motor que mueve la escritura de Eduardo, la poesía como el sujeto aludido, como esa segunda persona del singular en su forma de pronombre. Es el “tú” cuando el poeta escribe:
“Desnativo, me planto
en tus comarcas”; así como también en este otro poema:
“Te alzas, estallas,
te diluyes
y vuelves
a tu hondura
con un rumor de soles
y guijarros”.
Y también en este otro:
“Te oigo llover, rodar
sobre mis vértebras,
picarlas con tu sal,
lamerlas
como un fuego”.
Lo nombrado no puede ser aludido directamente, el “objeto” del amor es referido y simbolizado en el cuerpo de la amada, por eso la voz de estos poemas es confesional –como dice Fabio Morábito: “para un oído concreto”–.
Allí donde se interpreta “amor”, amada”, “ella”, “Dios”–en el caso de los poemas de San Juan de la Cruz–, para mí es la poesía misma la que desvela su presencia como faro en el mundo. La poesía surge de la “nada fértil”, de “las cosas más menudas” como lo escribe Eduardo en sus propias palabras:
“Que de lo hallado
queden
las cosas más menudas: no
el garbanzo de a libra, no
la perla del tiempo:
que del asombro
nazca la almendra
más humilde”.
Obra plástica de Kenia Cano.
Estos poemas también son un decir sin decir. Son la acción del verbo “amar” del amor mismo –no sólo del sujeto que cree ser el amor, desde su fascinación de enamorado, de amante, sino del substantivo sustantivo “amor”, que como un espíritu, cuando se manifiesta en la materia, electriza la noche–.
“A la tarde te examinarán en el amor; aprende a amar como Dios quiere ser amado y deja tu condición”, escribe San Juan de la Cruz, en la Oración del alma enamorada. Citado por Eduardo, a manera de epígrafe, incluye sólo las primeras 14 sílabas: A la tarde te examinarán en el amor, y firmado: Juan de Yepes.
Esta doble condición del poeta renacentista, de haber sido un hombre secular y después un hombre de Dios, representa las dos realidades del ser: el espíritu y la materia. De pronto recordamos que estamos hechos de carne; nos percatamos de que somos mudables, biodegradables, cuerpos que al final serán materia de disecciones.
Y aquí es donde la obra plástica de Kenia dialoga con los versos, no los ilustra, no es necesario. “La poesía no permite discursos alternos”. No hay explicaciones de un poema. Eduardo Hurtado es fiel a la idea romántico-simbolista de que la poesía es un asunto asociado con un no saber, con ciertas formas del silencio.
La obra plástica de Kenia nos habla también de lo espiritual en la materia, de esa otra “nada fértil” que es la vida, en donde la corrosión carcome los cuerpos que fueron amantes y los que no, los que fueron espirituales y los que no, cuerpos diluidos en las acuarelas de la vida por el paso del tiempo, ya que “Nada termina sin romperse, porque todo es sin fin”, cita –de “Voces”– a manera también de epígrafe, Eduardo Hurtado a Antonio Porchia.
16 imágenes de Kenia en acuarela, tinta, pastel, grafito y collage sobre papel de algodón, conversan con los poemas de Eduardo acerca de la anatomía del misterio, donde el verso se hace carne y la carne se hace verso. En donde la sangre y los huesos, los músculos y los nervios, sueñan –cito al poeta– “en despertar contigo hasta el día del horno y la ceniza”. Cenizas que tendrán sentido, como escribió Quevedo, “polvo serán, mas polvo enamorado”.
Obra plástica de Kenia Cano.
Las figuras son irreconocibles. Son cuerpos en la mesa de disecciones. Los órganos y los miembros se han convertido en aves. En palabras que vuelan. Este diálogo de imágenes y versos de los dos artistas, sucede con mayor eficacia en la imaginación del lector, no en las lecturas rápidas, sino en las sosegadas. Después de todo, en algunas de las cosas en las que sí se parecen la poesía, el erotismo y lo divino, es que en las tres se requiere estar presente.
Octavio Paz y Juan Gelman, son otros dos poetas que Eduardo cita. Poetas que tienen al amor como centro y guía. En La llama doble, Paz escribe: “Los sentidos son y no son de este mundo. Por ellos, la poesía traza un puente entre el ver y el creer. Por ese puente la imaginación cobra cuerpo y los cuerpos se vuelven imágenes”. Y en el siguiente párrafo: “La relación entre erotismo y poesía es tal, que puede decirse, sin afectación, que el primero es una poética corporal y la segunda es una erótica verbal”.
Siempre he admirado la desnuda sencillez de la escritura de Eduardo, sencillez lograda en un poco más de 40 años de dedicaciones amorosas al poema. De él he aprendido que es la experiencia la que da sentido a los versos, lo que los sostiene.
Aún recuerdo ese hermoso poema que le dedicó a su padre, llamado El comensal, en su libro Las diez mil cosas –un libro del cual también quedé prendado–. Y me asombra eso, la sencillez con que toca las fibras más profundas; sin duda es un maestro del lenguaje, un maestro de su idioma, quien se reconoce en una tradición mucho más vasta que la poesía mexicana, más allá de la tradición de la poesía escrita en lengua española, la tradición de la poesía escrita en Occidente, o la búsqueda universal de un decir capaz de expresar lo indecible. “En esta perspectiva, –refiere– formamos parte de un continuo movimiento de ruptura. El poeta, aunque parezca estar atado a una tradición, aun si decide inscribirse en tal o cual canon, es un hereje, o al menos un heterodoxo, porque su manera de emplear el lenguaje está en contra del uso de las palabras. Y en su naturaleza está oponerse a todos los automatismos de que está hecha nuestra realidad”.
Presentación del «Artistario. Libro de la comunidad. Reunión 2016», en Cuernavaca, Morelos, México.
Obras de la Biblioteca Armando Olivares: El Conde de Montecristo de Alexandre Dumas (1802-1870), pasado, presente y futuro.
El pasado
El Conde de Montecristo en la Biblioteca Armando Olivares con los sellos de la Biblioteca del Colegio de la Purísima Concepción de Guanajuato, del Colegio del Estado de Guanajuato y Ex Libris troquelado de Ignacio Rule.
En julio de 2016 se cumplió el aniversario 214 del natalicio de Alexandre Dumas (julio 24 de 1802), su obra es amplia –destaca principalmente: El Conde de Montecristo, Los Tres Mosqueteros, Veinte años después y la Reina Margot–, la biblioteca Armando Olivares cuenta con 40 títulos de las obras del francés y que pueden ser consultadas por la comunidad universitaria en particular y por la sociedad de Guanajuato en general. En esta ocasión hablaremos de una de sus novelas más destacadas, sin duda una de las más reconocidas en el mundo entero, nos referimos a “Le Comte de Monte-cristo”, ya que tanto en teatro, cine, televisión, manga y anime, ha sido trabajada en muchas partes del globo, donde han participado algunos de los artistas más destacados de su momento, como la versión mexicana protagonizada por Don Arturo de Córdoba “El Conde de Montecristo” de 1942, la versión cómica de Germán Valdés “El vizconde Montecristo” de 1958, Richard Chamberlain “The Count of Monte Cristo” de 1975, la serie de televisión francesa interpretada por Gérard Depardieu “Le Comte de Monte-Cristo” de 1998.
Isla de Montecristo en el Archipiélago Toscano (Isla que le dio nombre a la novela).
El pasado de la obra es más que necesario señalarlo, ya que la obra habla de las aventuras del Conde, con un total de dieciocho partes, en ella trata principalmente los temas de justicia e injusticia, la venganza, la piedad y el perdón. La obra se publicó entre 1844 y 1846, sus hazañas tuvieron lugar en Francia, Italia y varias ciudades Mediterráneas, destacando algunas ciudades francesas del Levante como Marsella y las islas de Cerdeña y Montecristo. En el castillo de If en la isla del mismo nombre y de la que nadie sale vivo –localizado en la bahía de Marsella–, en donde fue hecho prisionero y tramaría toda una serie de acciones para tomar venganza de las personas que le causaron daño y que lo llevaron a la cárcel, triste y desconsolado en prisión por un tiempo de más de catorce años. Dentro del castillo-cárcel Edmond conoció al Abad Faria –hombre inteligente y de vasto conocimiento–, quien de manera sabia le trasmitió una serie de conocimientos que le cambiarían la vida para siempre. Además de enseñarle muchas cosas, le enseñó de la mejor manera posible cómo poder salir del presidio. De igual forma, le legó una gran fortuna que se encontraba enterrada en la Isla de Montecristo, que él mismo había escondido durante su trayecto marítimo hacia el Puerto de Marsella.
Castillo de If lugar en donde estuvo 14 años preso Dantès.
Las aventuras del Conde en esos 18 episodios de la versión original, que van desde su arribo al Puerto de Marsella, su ingreso a la prisión de If –apresándolo el mismo día de su boda–, el preso 34 y el 27, la sabiduría de Abad Faria, información acerca de la fortuna enterrada en la Isla de Montecristo, la fuga del castillo-prisión, el hallazgo de la fortuna enterrada en la Isla de Montecristo, su regreso a París, la venganza contra todos aquellos que le causaron daño y de los cuales hará daño uno a uno, logrando con ello su cometido para realizar por completo su gran venganza y de alguna manera alcanzar la felicidad. Asimismo, indemniza a los que él piensa que no tuvieron nada que ver con su encarcelamiento, logrando su objetivo de justicia. Al final se va con Haydee con la intención de tener un final feliz.
Las aventuras de Edmond Dantès “Conde de Montecristo” se desarrollaron durante los gobiernos de Napoleón Bonaparte, Luis XVIII, Carlos X y Luis Felipe I de Francia, es decir, durante un periodo de 44 años aproximadamente, en los que Dantès sufrió una serie de intrigas por parte de dos personas a las que consideraba sus amigos: su compañero Baron Danglars jefe de cargamento del ejército –que veía con celos la promoción que Dantès se había ganado durante sus años de servicio al ejército francés– y de Fernando Herrera primo de Mercedes Herrera –su prometida catalana–, quien estaba enamorado de ella. Ambos le harán la vida imposible a Dantès con la intención de perjudicarlo y que nunca sea feliz, uno y otro lo acusan de ser agente bonapartista en contra del gobierno realista.
En suma, El Conde de Montecristo es la historia de un hombre que es injustamente encarcelado junto a un anciano, quien antes de morir le revela el sitio donde está enterrado un tesoro. Cuando el hombre logra escapar de su miserable celda, cambia de identidad convirtiéndose en el acaudalado Conde de Montecristo, identidad que utilizará para vengarse de aquellos que lo traicionaron y enviaron a prisión.
Historias entorno al personaje
Zapatero
Hay dos versiones acerca del origen de las aventuras de Conde de Montecristo, por un lado la de un zapatero de nombre François Picaud que vivió en París a principios del siglo diecinueve, hombre pobre que se enlazó en el matrimonio con una mujer muy rica en 1807. Cuatro de sus amigos no estaban de acuerdo con la relación, para ello lo denuncian como espía de la Gran Bretaña en Francia, logrando que Picaud tuviera un encierro de siete años. Durante esos años, una persona que conoció en el penal –del cual se hizo gran amigo–, y que se encontraba en los últimos años de su vida, le legó una fortuna escondida en Milán. Cuando al fin salió libre en 1814 partió a Milán y encontró la fortuna que le había dejado su amigo moribundo. De inmediato partió a París, ciudad a la que llega bajo otro nombre. A través de diez años tramó una gran venganza contra aquellos que lo habían denunciado.
Alexandre Dumas: Abuelo, padre e hijo
La segunda versión, para muchos la más acertada, trata sobre la vida de su padre el Conde negro Thomas-Alexandre Dumas, quien nació en la isla de Haití y de su abuelo Alexandre Antoine Davy de la Pailleterie, aristócrata francés que viajó a Haití con la idea de hacer fortuna y que por el contrario tuvo una mala aventura. Durante su estancia en la isla vivió en unión libre con una esclava de nombre Marie-Césette, a quien le dio el apellido Dumas, en sus treinta años de vida en las costas del Caribe. En Francia se le daba por muerto, tuvo que regresar a Francia para poder recuperar una fortuna que había recibido en herencia, para ello tuvo que vender a Thomas-Alexandre como esclavo. Una vez recuperado el legado regresó a las costas del atlántico y pudo liberar a su hijo, a quien llevó a la metrópoli francesa. En los primeros años de estancia en Francia, Thomas-Alexander fue instruido en la Academia de esgrima de Versalles, actividad en la cual fue el alumno más destacado. Entró al ejército napoleónico como soldado raso, allí aprovechó las vacantes de oficiales dejadas por nobles ejecutados o exiliados durante el Gobierno de Napoleón Bonaparte y en menos de un año logró convertirse en el primer general negro en un ejército occidental. Sus trabajos como estratega en la milicia francesa fue de primer orden, logró con ellos tal reconocimiento que se le erigió una estatura en París por su destacada labor en beneficio del pueblo francés. El Conde Negro murió a la edad de 43 años, cuando Alexandre Dumas sólo tenía 4 años de edad. La idea principal fue la de reconocer el papel que jugó su padre dentro de las huestes del ejército francés, actividades que inspiraron a Dumas a escribir las aventuras del Conde de Montecristo, una de las principales obras de la literatura universal.
Presente: Teatro, cine, televisión y anime
El teatro
Conde de Montecristo, 2014. Teatro Victoria en Madrid.
No se sabe exactamente cuándo fue presentada por primera vez en las tablas. Durante muchos años se ha presentado en algunos de los teatros más importantes del mundo. Sin embargo, en la actualidad es cuando más noticias tenemos de las adaptaciones teatrales, una de las principales adaptaciones es la del grupo español: Teatro y Danza de Paloma Mejía Martí.
Un espacio escénico vacío, movimientos escénicos que apoyan constantemente la carga dramática, luces como parte de la conversación escénica, la verdad de la historia y cómo no, el impecable trabajo de 10 actores: Nelson Dante (Conde de Montecristo), Guillermo Serrano (Dantès joven y príncipe de Cavalcanti), Silvia García (Mercedes), Susana Garrote (Sra. Danglars), Alberto Rueda (Danglars), David Cebolla (Fernando), Koldo Zarate (Coderousse), Alberto Moreiro (Morrel), Junanjo Herbe (Villefort), Santí Díaz (Alberto) y Gabriel Buenaventura (Abate Farias) son los que levantan esta difícil historia, llena de pasión, odio y ternura, pero sobre todo de venganza. Esta será la línea de partida para este nuevo reto que nace de las ganas de la directora de superar los obstáculos y la falta de medios económicos, donde el talento de los actores defenderá a capa y espada. Una versión muy original y personal al mismo tiempo, puesta en escena muy contemporánea en donde el romanticismo de la época será presentado en cada detalle.
Sin lugar a duda esta adaptación es una de las más importantes que se presentan actualmente en España, pero que tiene la firme intención de hacer algunas representaciones en los Estados Unidos, México y algunos otros teatros del Cono Sur.
Cine
Cartel del Conde de Montecristo de Chano Urreta (1942).
En México El Conde de Montecristo (1942), película mexicana dirigida por Chano Urreta y protagonizada por Don Arturo de Córdoba y Mapy Cortés, realizada en la época de oro del cine mexicano. La versión que preparó Urreta es digna de destacar, ya que no es una adaptación, pues siguió al pie de la letra la traducción de la versión original al español. Es por ello que debe considerarse una de las mejores producciones cinematográficas de todos los tiempos y la mejor realizada en la pantalla grande, rodada en varios lugares de México y con locaciones lo más cercanas a las descritas por el escritor francés. Urreta dio a la humanidad una gran producción, no te queda más que disfrutar de la película en 35 milímetros que se hizo en México a mediados del siglo pasado, siendo la mejor realización de la novela de Dumas.
Desde el primer momento en que comienza el filme, Urreta da al público toda la intensión de seguir como guion cada una de las partes de la traducción al español de la novela. La mayoría de los personajes aprendieron de manera completa la novela, destacando el intenso trabajo que Chano dio a la producción de Filmex y que forma parte de las grandes realizaciones del cine mexicano.
Cartel cómico del Vizconde de Montecristo (1954).
No podría faltar en México la versión cómica del Conde de Montecristo (1954), dirigida por Don Gilberto Martínez Solares y protagonizada por el inigualable Germán Valdés Tin-Tan. La trama surge a partir del amor que Inocencio (Tin-Tan) –mozo de un banco– tenía con Marga, la hija del director de la entidad bancaria, don Miguel. Polito, hijo de don Miguel y cajero del mismo banco, comete un fraude y el hombre se aprovecha del amor que Inocencio siente hacia su hija para hacer que lo culpen y encarcelen injustamente. Tiempo después, ayudado por el reo don Facundo, Inocencio logra huir de prisión y asiste disfrazado a un baile al que también van don Miguel y Marga. Allí, Inocencio encuentra la oportunidad para demostrar quién fue el culpable.
The Count of Monte-Cristo (1975), dirigida por David Greene y protagonizada por Richard Chamberlain como Edmond Dantès, Kate Nelligan como Mercedes, Tony Curtis como Fernand Mondego, Louis Jourdan como De Villefort, Donald Pleasence como Danglars, Trevor Howard como Abbé Faria, e Isabelle de Valvert como Haydee.
The Count of Monte-Cristo (1975).
La versión norteamericana estelarizada por Chamberlain tuvo gran aceptación –no tanta como la versión de Chano Urrea–, nominada a 2 Emmys, uno por mejor autor en la figura de Richard y Trevor Howard, como mejor actor secundario.
La versión presta mayor atención en la rivalidad entre Edmond Dantès y Fernando Mondejo, sin embargo debe señalarse que la adaptación de Green deja mucho que desear ya que se aleja totalmente de la versión original de la novela de Dumas. Además hay personajes que desaparecen durante la trama y no existe mayor atención en Haydee, quien en verdad es la mujer con la que Dantès terminaría enamorándose. En general, el arreglo es superado por las locaciones y por la calidad de la película, no deja de ser una simple y mala interpretación de la gran novela de Dumas.
Lo más destacado son las escenografías naturales y los locaciones in situ que forman parte fundamental en la adaptación de David Green, de las escenografías podemos decir que se trata de uno de los elementos más importantes en la elaboración de una película y en general debe estar preparada previamente al rodaje del film. El arreglo del film prestó particular importancia a las diferentes escenografías en las que se rodaron cada una de las escenas, de igual forma se está hablando de los ambientes, los decorados artísticos y artesanales, el vestuario, la iluminación, el maquillaje y los tocados o peinados, todos ellos presentados de manera singular para dar calidad especial y ambientación al desarrollo de actuaciones y de los guiones. Para lograr lo anterior, se requiere de una gran maestría y capacidad, mismas que fueron el plus en el trabajo realizado por el gran cineasta estadounidense.
El presente en Francia: Serie de televisión
Le Comte de Monte Cristo Miniserie de televisión (1998).
Le Comte de Monte Cristo (1998), dirigida por Josée Dayan y protagonizada por uno de los mejores actores franceses de los último años, el ahora Ruso Gérard Depardieu y Ornela Muti, al igual que la adaptación de Chano Urrea, la adaptación de Dayan siguió al pie de la letra la novela de Dumas. Claro está que su realización contó con las mejores escenografías con las que se podía tener en Francia, es decir, con las locaciones que el francés describió en cada uno de los 18 capítulos de su magna obra.
La miniserie fue realizada en 4 episodios y en cada uno de ellos se recreó de forma magistral por la ambientación en general de una de las mejores adaptaciones de la actualidad, misma que con la recreación histórica de la Francia de la época, han llevado al grado de excelencia la producción de Dayan. Para la realización de la serie se contaron con recursos de Francia, Italia y Alemania, gracias a ello la producción tuvo mucho éxito. Además hicieron las traducciones al italiano y el alemán. La serie fue aceptada por cada uno de los países que invirtieron en ella. Lo que buscaron en esta miniserie fue recrear cada uno de los ambientes que la novela de Dumas describió. La verdad es grandiosa, los protagonistas encabezados por los excelentes actores franceses Gérard Depardieu y la actuación magistral de Ornela Muti.
El Futuro: Manga y anime
Cartel Manga de Gankutsuou (2004).
El Conde de Montecristo en japonés “Gankutsuou” (2004), del director Nahiro Maeda, es una producción anime que destaca principalmente por la animación que llega a lo extraordinario. En ella los personajes de Gankutsuou se ubican en el año 5053, por lo cual mezclan elementos de finales del siglo XVIII y principios del XIX de la novela–principalmente el vestuario, en donde además destacan los vestuarios japoneses femeninos–, con alta tecnología, viajes espaciales y el uso de peinados exóticos. Cada capítulo tiene una introducción en francés, dándole la importancia a la lengua original de la aventura.
Mientras visitaba el carnaval de Luna, el vizconde Albert de Morcef y el barón Franz d’Epinay conocen al Conde de Montecristo, un misterioso noble extranjero, que demuestra cierto interés en el vizconde de Morcef. En la última noche del carnaval, Albert es secuestrado por la banda de Luigi Vampa, un conocido criminal y mercenario, quien pide a Franz un rescate de 50 millones de ducados. En una situación desesperada, Franz solicita un préstamo al conde para poder pagar el rescate de su amigo. El conde accede y acompaña a Franz al lugar donde tienen a Albert. Después de algunos trucos, el conde libera a Albert y surge una amistad entre ellos, cuando se marchan el Conde promete visitar a Albert en París, pasan algunos meses y el Conde llega a la urbe francesa. Durante su estancia le es presentada algunas de la familias más connotadas de la ciudad, como los Morcef, Danglars y Villefort.
La adaptación de Nahiro Maeda centra la atención de Albert Morcef y no tanto en la figura del Conde, el cual pasa como un personaje antagónico respecto a Albert. Los cambios en el argumento van desde la inclusión de elementos sobrenaturales, diversos destinos para la mayoría de los personajes, la supresión de algunos argumentos y un final diferente.
El uso de la tecnología 3D es el principal de los componentes y que le dan el plus en la adaptación de Maeda, el guion sigue de manera cabal, le versión del manga de Nahiro, misma que en Japón tuvo mucho éxito y que muy posiblemente puedan existir algunas otras aventuras de Gankutsuou. Narraciones que de alguna forma vendrían a recaer en los mismos episodios que en la versión original de Dumas tuvieron tanto éxito a principios del siglo XIX.
Fotografía de Alexandre Dumas c. 1870. Destaca su tez morena al igual que el de su madre Marie-Césette.
En suma, las adaptaciones han sido recreadas alrededor del mundo, sin embargo nunca habrá alguna que superé la realizada por Alexandre Dumas y sus personajes originales. Es por ello que los motivamos a que nos visiten en la Biblioteca Armando Olivares para poder disfrutar de esta magnífica novela del francés, así como de sus obras completas que conforman el patrimonio bibliográfico de la Universidad de Guanajuato, México.
La vitalidad de la Biorremediación
Puede ser interesante saber que a pleno levantamiento del Muro que dividió a Alemania, en 1961, ya había artistas que estaban produciendo sus obras a razón de una nueva era que se estaba estrenando junto con el modelo capitalista.
Muchas características notorias configuraban el arte llamado “Land Art”, pues el formato de los museos ya no era el adecuado para las obras que estaba produciendo Robert Smithson o Michael Haizer. Cuando por el lado occidental, desde Berlín hasta los E. U., se creía que la vida propiciada por la estructura política del liberalismo era la gran solución para acabar con el tono gris que intentaba imponer el comunismo del bloque oriental, los artistas ya estaban comenzando a trabajar por las consecuencias de ese nuevo paradigma social.
Las políticas liberales abrían sucursales en todos los ámbitos del mundo incluyendo el de las artes, por lo que no sólo aparecieron replanteamientos teóricos en la estética, sino que fue imposible empaquetar un arte que se desborda por naturaleza como la naturaleza. Los elementos que ocupaba el artista no podrían ya ser expuestos en museo a manera de “artículo –como bien profetizaba Baudelaire– en aparador de tienda”, pues resultaba inútil intentar meter una sola pieza; por ejemplo, Broken Circle del artista R. Smithson o Spiral Jetty que pesa unas 5 000 toneladas de piedras formadas en un camino caracol al interior de un lago salado en el desierto de Utah.
Sin duda, el Arte ya había sido sacado de las galerías si pensamos en las propuestas dadaístas de George Gosz, Jhon HeartField o Man Ray, así como también ya había sido deliberadamente crítico con el concepto mismo del arte desde la Primera Mundial. Incluso cien años antes Hegel declaraba la muerte del arte dejando en claro su condición efímera, pero en las propuestas estéticas de los artistas en los comienzos de la Guerra Fría no sólo había tomado en cuenta eso, estaban utilizando los materiales mismos de la naturaleza, agua viento fuego y tierra en lo que llamaban Land Art.
Herbert Marcuse había escrito antes de los sesenta que EU padecería los riesgos del capitalismo desde el interior mismo del sistema a causa de una democracia que generaba nuevos problemas de libertad, cuando la gente se enfrentaba a grandes empresarios con los que de entrada era imposible competir. Menciona en sus textos que el nuevo sistema es represor debido a la presión que ejerce el consumismo, pero en ese tiempo el arte aun tiene tendencias únicamente sociales. Es hasta después de los sesenta que los artistas retoman a la naturaleza como medio de expresión.
No podemos negar, tampoco, que se haya utilizado a la naturaleza con formas estéticas si recordamos que grandes civilizaciones ancestrales lo han hecho también desde su propio contexto. Un ejemplo pueden ser las figuras formadas por la cultura Nazca del antiguo Perú; quetzales, pelícanos, cóndores, un simio, una araña, una ballena, árboles y más dibujos trazados con piedras que no se pueden ver sino desde una altura considerable, como la de una montaña o en vuelo aéreo. También hay otras culturas que tomaron los elementos de la naturaleza, tal como lo hicieron los nahuas, para construir viviendas con piedras preciosas que decoraban el ambiente, pero los artistas del Land Art llevaron esto a otros sentidos. Con ellos vemos la conciencia de una producción que expresa el sentido efímero de las cosas.
Más hay propuestas nuevas que confirman la caducidad de las obras artísticas del Land Art como es el caso de la Biorremadiación que propone Mel Chin. La propuesta estética de Chin expone la restauración del medio ambiente mediante el arte. La relación entre Land Art y Biorremediación está en el uso de los elementos naturales como forma de expresión pero la diferencia parece estar en que la segunda enfrenta el decreto señalado por la muerte. Las obras de Mel Chin llevan implícitas cualidades para resistir cambios que bien pudieran ser destructivos, tomando como ejemplo el cerco de plantas que ha cultivado a prueba de contaminantes tóxicos ambientales producto de la contaminación industrial de nuestra época.
En los proyectos estéticos de Chin vemos contemplado que hay una dinámica entre economía, arte y medio ambiente –factores de nuestra situación actual– porque el capitalismo resulta inevitable en el contexto que nos toca vivir. En una de sus propuestas pide a miles de niños dibujar un billete de cien dólares cada uno para cambiarlos por efectivo real a fin de apoyar los daños ocurridos por un desastre natural en EU. Tenemos aquí la obra de un artista contemporáneo que implica la cuestión económica, artística y a la biorestauración de la naturaleza, pero que también abre un juego de posibilidades entre las galerías instituidas y el medio ambiente.
Mel Chin no rechaza el poder capitalista en sus obras de arte y, sin alejarse de la corriente estética anterior, antes bien lo utiliza con gran astucia como un factor indispensable que posibilita el funcionamiento de sus piezas. Así como si el neoliberalismo apareció para consumir todo y volverlo consumible, la propuesta estética de la biorremediación que hace Mel Chin absorbe al poder económico para emplearlo como parte de una producción artística llevando a cabo el desarrollo de la obra completa.
Una visión sobre la importancia de las bibliotecas y el resguardo de los idiomas de México
Por Demián Aragón
Eduardo Estala Rojas (1980), escritor y promotor cultural mexicano, plantea la necesidad de promover en ámbitos internacionales la cultura mexicana a través de su lengua, no solamente el español sino la gama de idiomas que han prevalecido entre los indígenas de México.
Eduardo Estala Rojas. Fotografía: Dirección Municipal de Cultura y Educación de Guanajuato, México.
Una manera de lograr su difusión es por medio de la lectura, en este aspecto las bibliotecas juegan un papel fundamental, ya que se convierten en espacios propicios para generar en sus visitantes una forma de conectar con diferentes formas de pensamiento.
Estala Rojas quien ha proyectado en el Mexican Cultural Centre (MCC), la cultura mexicana en el extranjero, plantea en su investigación periodística “La importancia de visitar y promover las bibliotecas públicas, el español y las lenguas indígenas de México, en el extranjero”, un acercamiento al fenómeno de la lectura y las impresiones de intelectuales y visitantes en general acerca del significado de estos recintos.
La biblioteca es un espacio que ha formado parte central del imaginario social y por lo tanto del mundo ficcional que la literatura nos ofrece, el mejor ejemplo de ello es el escritor argentino Jorge Luis Borges, quien además de bibliotecario fue un creador de mundos imaginarios auspiciados por el saber universal contenido en los volúmenes que conforman los libros.
La mejor conexión con el contexto borgiano lo ofrece Umberto Eco en “El nombre de la rosa” (1980), su primera novela en la que la biblioteca se convierte en una metáfora de la adversidad a la que se enfrentan las ideas del hombre frente al exterior. En el siglo XXI, esto se puede asociar al cambio tecnológico, que opta por la descarga de materiales de lectura, pudiendo contenerse en un dispositivo electrónico una considerable cantidad de títulos sin necesidad de contar con un espacio fijo que reúna a los estudiosos, o aquellos que busquen la experiencia que el libro de papel ofrece.
Estala Rojas cuestiona la manera en que la biblioteca puede promover no solamente el español como lengua de México, uno de los países con más hispanohablantes según registros del INEGI, sino aquellos idiomas originarios que dan cuenta de la forma de expresión de una considerable cantidad de mexicanos que conservan su idioma y costumbres.
Esta preocupación permitió a Estala Rojas indagar en el fenómeno y realizar una investigación merecedora del Premio Internacional Ana María Agüero Melnyczuk a la Investigación Periodística 2015, el autor ha vivido de cerca la experiencia que trae consigo el contacto con las bibliotecas:
“he tenido el privilegio como lector de poder acceder a valiosos acervos, protegidos y disponibles para llevar a casa, o consultarlos en los recintos y de forma digital. Dentro de estos lugares de sabiduría y conocimiento universal, han surgido reflexiones sobre la situación actual de México, mi país de origen, sobre la importancia de visitar y promover las bibliotecas públicas, el español y las lenguas indígenas de México, en el extranjero” (Estala, 2015: 11).
“La importancia de visitar y promover las bibliotecas públicas, el español y las lenguas indígenas de México, en el extranjero” de Eduardo Estala Rojas. Edición bilingüe en español e inglés. Traducción al inglés por Adriana Elizabeth Vera Pérez. Colección Estudios Mexicanos. Mexican Cultural Centre (MCC), Reino Unido-México, 2015; 38 pp.
El autor ofrece diferentes puntos de vista en torno a la función de la biblioteca en la expansión del conocimiento, jugando el idioma uno de los pilares fundamentales, en este caso específico la difusión de la cultura mexicana a través de sus lenguas originarias y el español como idioma de asimilación histórica y cultural, buscándose frenar hasta cierto punto el riesgo a desaparecer que tienen esos elementos lingüísticos de identidad nacional.
Las opiniones sobre este tema son variadas, desde directores de bibliotecas, intelectuales y estudiantes de nivel medio superior. Daniel Goldin, director de la Biblioteca José Vasconcelos, considera que estos recintos del saber no deben ser considerados únicamente como resguardos de conocimiento sino también como elementos de apropiación cultural.
El escritor Adolfo Castañón ve a la biblioteca como un espacio emblemático de la concentración y el silencio que sus visitantes buscan como principal aliciente, de lo que puede desprenderse la importancia de estos lugares como punto de convergencia con las ideas contenidas en los libros, que conviven entre sí a pesar de las distancias geográficas y temporales que puedan separar a sus respectivos autores.
El Mexican Cultural Centre (MCC), en su misión de promover el idioma y la cultura mexicana en el extranjero, juega un papel importantísimo en el fomento de la lectura y de la valoración de la biblioteca como parte fundamental de la cultura universal.
Para descargar el libro sin costo, aquí.
Demián Aragón. Fotografía: Cortesía.
Demián Aragón, mexicano, es maestro en Literatura Hispanoamericana por la Universidad de Guanajuato, México. Investigador literario y cinematográfico, su interés está enfocado en la relación cine-literatura. Ha estudiado la obra de Carlos Fuentes, Alberto Fuguet y Vicente Leñero. Actualmente forma parte del SIRTH (Sistema de Radio, Televisión e Hipermedia) de la Universidad de Guanajuato, México.
Obra plástica y visual de la mexicana Adriana Puente
Por Ricardo Ariza
En la obra plástica y visual de Adriana Puente la superficie en blanco es el silencio primigenio; allí la impronta del pincel, la tinta, la mano y la mujer que las dirige, abrirán una vía regia al inconsciente, al río de lenguajes de lo que no se puede conocer a través de la razón, aquello que es memoria orgánica.
Adriana Puente. Fotografía: Maricela Figueroa.
Cada pincelada es irrenunciable en el camino del propio descubrimiento: ataque de frente o arrastre, frotado o de ritmo sincopado, manchas con o sin contorno, concentrado o diluido, firme o tembloroso, el ejercicio plástico del accidente controlado develará el vacío como redondo espacio de posibilidades.
El zen es una escuela del budismo mahāyāna y tanto como el «confucianismo» de la China imperial de hace dos mil años y el «taoísmo», son filosofías que buscan la armonía del ser con el universo, por lo cual observan profundas meditaciones con la finalidad de «vaciar» la mente, para que una vez logrado, pueda llenarse con el conocimiento verdadero. Así a grandes rasgos, porque no hay forma de definir esa experiencia en palabras.
La pintura es una de las grandezas de estas culturas. Sin embargo, no podría definir una escuela artística como arte zen. El zen es una filosofía que floreció en el pasado de Japón; la pintura de agua y tinta es un medio en el camino del guerrero como lo fue la espada del samurái. Por otro lado, «Tao» significa «camino», y en la obra plástica de Adriana Puente–que es otra cosa y semejante a la vez en este presente caótico– perteneciente a esta colección, es palpable el recorrido y la búsqueda de su propio ser, incluso aquellas contradicciones inherentes. Pintura orgánica y matérica, texturas y rasgos caligráficos son casi ideogramas de la experiencia vital y son también mapas de sus sentimientos, o el trazo de su propio electrocardiograma.
La búsqueda espiritual es un hecho ineludible en la experiencia de los seres humanos; los artistas a través de su propia visión del mundo indagan los recovecos de lo que en occidente llamamos «alma», así, el camino del conocimiento toma muchas formas: algunos meditan en posición de flor de loto, otros escriben poesía, otros más son músicos o pintores, o todo eso junto, y en cada caso, la ejecución de ese no-hacer convierte al artista en el objeto y el símbolo –y el símbolo y el objeto se convierten en el artista–: paradoja.
Adriana Puente devino poco a poco en el personaje principal de su propia experiencia, al encontrarse con un camino de agua y de tintas, de composición y de saltos al vacío: misterio plástico en el que la autora de estas piezas ha indagado con grandes aciertos y registros en una obra que cumple aquella premisa tan antigua de los pintores chinos: expresar la vida y el movimiento, y conseguir con el color negro que vibren ante los ojos de los espectadores todos los demás colores.
Ricardo Ariza. Fotografía: Isabela Simone.
Ricardo Ariza, mexicano, es escritor y editor. Ha publicado el libro de poemas El título es consecuencia del azar (Colección El Ala del Tigre, UNAM, 1996). Y Física de cuerpos ausentes (Colección La Hogaza /5. Instituto de Cultura de Morelos, 2009). Así como la antología personal En donde la memoria arda (INBA, CONACULTA, Editorial Eternos Malabares, 2013). Es compilador de la Antología de cuentos latinoamericanos editada por SelloImpreso 2014; autor del manual Maíz. El sustento que da la vida. Es colaborador de la revista francesa El Café Latino.
Programa de Fomento a la Lectura en México
En el marco del Programa Fomento a la Lectura «Pasando Corriente. Charlas sobre Literatura”, la Universidad de Guanajuato a través de la División de Ciencias Sociales y Humanidades Campus Guanajuato, el Departamento de Letras Hispánicas, sus dos Cuerpos Académicos Estudios de poética y crítica literaria hispanoamericana y Estudios literarios, configuraciones discursivas y poéticas, la Alianza Francesa de Guanajuato y el Mexican Cultural Centre (MCC), tienen el honor de invitarlo a su tercer ciclo de charlas literarias 2016.
“No hay dolor más grande que el dolor de ser vivo”, sobre Juan Rulfo.
Jueves, 5 de mayo. «La charla gira alrededor de algunas implicaciones filosóficas de la obra de Juan Rulfo. Sobre todo se cuestionan el pesimismo vital y el sufrir por la vida expresados en los versos de Rubén Darío que dan título a la plática».
Ponentes
Andreas Kurz. Doctor en Literatura Comparada por la Universidad de Viena (Austria). Profesor del Departamento de Letras Hispánicas de la UG. Temas de investigación: el Segundo Imperio Mexicano en las literaturas mexicana y austriaca; el irracionalismo filosófico en la literatura mexicana entre modernismo y medio siglo; el modernismo mexicano e hispanoamericano. Colaborador de La Jornada Semanal, Confabulario y la revista Crítica. Últimos libros publicados: La joroba (novela); El general Riva Palacio y la vajilla de Francisco José (ensayo).
Ramón Bárcenas Deanda. Doctor en Filosofía por la Universidad de Guanajuato y profesor del Departamento de Filosofía de la misma casa de estudios en donde imparte cursos sobre hermenéutica filosófica, Nietzsche, análisis y crítica filosófica y sobre el cruce entre literatura y filosofía. Ha publicado el libro El mundo sombrío de Luvina y Comala, y diversos capítulos en libros y revistas especializadas en filosofía.
“(Re)creaciones perversas: Inés Arredondo y Guadalupe Dueñas”.
Jueves, 12 de mayo. «Se planteará una poética común al focalizar que su narrativa pervierte en tanto que turba y perturba el orden ético, moral y humano, reflejo de búsquedas individuales pero paralelas a nivel estético y ontológico».
Ponentes
Inés Ferrero Cándenas. Doctora en Literatura Hispanoamericana (PhD Hispanic Studies) por la Universidad de Edimburgo, Msc en Literatura Comparada por la Universidad de Edimburgo, Escocia; y Licenciada en Filología Inglesa por la Universidad de Oviedo/Hull University, España/Reino Unido. Actualmente es profesora investigadora en el Departamento de Letras Hispánicas de la Universidad de Guanajuato, México. Sus áreas de interés académico son la literatura hispanoamericana contemporánea, los estudios de género y la relación entre la literatura y las artes visuales, especialmente pintura y fotografía. Desde el año 2009 es miembro del Sistema nacional de Investigadores (Nivel 1) . Entre sus libros académicos se encuentran Gendering the Marvellous: Remedios Varo, Elena Garro y Carmen Boullosa, y Entrelazamientos: literatura y arte visual contemporáneo. Algunos de sus artículos más recientes en revistas indexadas son: Viaje a la Calma Perfecta: Bezoar, de Guadalupe Nettel en Bulletin of Hispanic Studies. “Cuerpo-Abyecto-Lenguaje: Orfandad, de Inés Arredondo” en Hispanófila, “Disrupting the Surrealist Gaze: Remedios Varo’s Images of Women” en Bulletin of Hispanic Studies y “Geografía en el Cuerpo: El huésped de Guadalupe Nettle” en Revista de Literatura Mexicana Contemporánea. También es autora de dos poemarios, colaboradora con texto en varios libros de artista y autora de ensayos de divulgación sobre literatura y arte en suplementos culturales.
Gabriela Trejo Valencia. Maestra en Literatura Hispanoamericana. Se desempeña como profesora en el Departamento de Letras Españolas de la Universidad de Guanajuato y en la facultad de Comunicación de la Universidad de León. Autora de varios artículos académicos en revistas especializadas, ha participado en congresos y coloquios con trabajos sobre literatura comparada, narrativa mexicana y estética, sus principales líneas de investigación.
“Lectura de obra poética”.
Jueves, 19 de mayo. «El autor leerá textos de sus libros representativos».
Ponente
Eugenio Mancera Rodríguez. El autor ha sido becario del Instituto de Cultura del Estado de Guanajuato, en la modalidad Creadores con Trayectoria en el género de poesía, en tres ocasiones, 1998, 2001, 2010, además de asesor de becarios del mismo Instituto en el área de literatura, en los años de 2007 y 2008. Sus principales publicaciones de poesía han sido: Cuerpo en su sabor de labios (1994), Luz del huerto (1997), Diálogo de amor entre Eurídice y Orfeo (1997), La pacificación de la bahía (2000), Saudade (2001), La memoria del deseo (2003), Sol de los olivos (2005), Las uvas y el mar (2013). En el año 2008 publicó un libro de cuentos La agonía de la primavera.
“La palabra del mudo: Ribeyro y Congrains”.
Jueves, 26 de mayo. «En los años 50 del pasado siglo XX, Lima, la capital del Perú, se desarrolla bajo la impronta de la migración indígena campesina a los arenales que circundan la ciudad, el desempleo, las barriadas de tugurios y la inestabilidad económica de los sectores medios. Esta realidad provoca un movimiento narrativo calificado como realismo urbano, comprendiendo obras de grandes cualidades estéticas y de profundo contenidos social. Julio Ramón Ribeyro y Enrique Congrains son dos de sus más destacados representantes. En esta conferencia se reflexiona sobre la relación simbiótica entre texto literario y contexto social que caracteriza a estos autores».
Ponente
Rolando Álvarez Barrón. Doctor en Artes con área de concentración en Teorías Estéticas, docente en el Departamento de Letras Hispánicas y en el Programa de Posgrado en Artes de la Universidad de Guanajuato. Catedrático invitado en las Universidades: Nacional del Perú (San Marcos) y San Agustín de Arequipa, es autor, entre otros textos, del libro Sombra que tiembla (estudio sobre las novelas el Indio de Gregorio López y Fuentes y Los ríos profundos de José María Arguedas), ha publicado ensayos y artículos en diversas revistas especializadas de México y el Perú y presentado ponencias y conferencias en ambos países , realizó una estancia de investigación en el Centro de Estudios Literarios Antonio Cornejo Polar, en Lima.
“Fina García Marruz: lo que se tiene”.
Jueves, 2 de junio. «Se conversará sobre los poemarios de la poeta cubana Fina García Marruz y de algunos momentos de su obra ensayística. La cubana, nacida en 1923 en Cuba, ha sido ganadora de los premios Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda en 2007 y el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana en 2011».
Ponentes
Lilia Solórzano Esqueda. Doctora en Literatura por la Universidad Autónoma Metropolitana, maestra en Filosofía y licenciada en Letras Españolas por la Universidad de Guanajuato, es profesora de tiempo completo en el Departamento de Letras Hispánicas de la Universidad de Guanajuato. Edita la revista Valenciana (estudios literarios y filosóficos) y coordina las publicaciones del mismo Departamento. Ha realizado programas de radio y televisión, así como múltiples artículos de literatura y cultura en medios impresos. Es miembro del Cuerpo Académico Estudios de Poética y Crítica Literaria Hispanoamericana (Universidad de Guanajuato), del Grupo de Investigación en Historia de la Literatura Hispánica (GIHLH) y miembro fundador de la Cátedra José Revueltas de la Universidad de Guanajuato. Elías Nandino. Entre la convicción y el temblor (UAM/Ediciones del Lirio, 2015); De la ironía, el amor y la seducción en Kierkegaard (Universidad de Guanajuato, 2014); Anagnórisis: el territorio de la reconciliación (Colsan, 2013); además de capítulos de libros y artículos en revistas arbitradas.
Asunción del Carmen Rangel López. Profesora del Departamento de Letras Hispánicas de la Universidad de Guanajuato, en donde imparte cursos de poesía latinoamericana, teoría poética y literatura mexicana contemporánea y del siglo XIX. Doctora en Letras Mexicanas por la Universidad Nacional Autónoma de México. Miembro del Sistema Nacional de Investigadores desde enero de 2013. Miembro del Cuerpo Académico Estudios de poética y crítica literaria hispanoamericana (Universidad de Guanajuato) y del Grupo de Investigación Sobre Historia de la Literatura Mexicana (El Colegio de San Luis). Es autora del libro La pulsión por el viaje de José Emilio Pacheco: su periplo al romanticismo. Cuenta con publicaciones en las revistas Cuadernos del Hipógrafo (ISSN: 2282-4030), Káñina, Revista de Artes y Letras de la Universidad de Costa Rica (ISSN: 2215-2636), Semiosis (Universidad Veracruzana, ISSN: 0187-9316) y en Escritos (Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, ISSN: 01888-6126), entre otras.
Todas las charlas serán en
Alianza Francesa de Guanajuato
Aula Dr. Paul Gendrop.
Galarza y Terremoto # 1 Altos
Centro, Guanajuato, Gto., C.P. 36000, México.
Para más información: mexicanculturalcentre@gmail.com
«Pasando Corriente. Charlas sobre Literatura», se propone fomentar la vinculación entre la academia y la sociedad a través de charlas que, mediante un lenguaje amable y accesible, buscan difundir la obra de autores fundamentales de la literatura de todos los tiempos, escrita en español, inglés, francés o alemán en aras de fomentar la lectura. La Alianza Francesa de Guanajuato recibe a «Pasando Corriente. Charlas sobre Literatura», en su tercer ciclo los participantes pasarán corriente sobre la obra de los mexicanos Juan Rulfo, Inés Arredondo, Guadalupe Dueñas, la cubana Fina García Marruz, los peruanos Enrique Congrains Martín y Julio Ramón Ribeyro, además se dará lectura a la obra de varios poetas de todos los tiempos.
Mexican Cultural Centre, United Kingdom 